Le texte est un manifeste intime, sur les violences carcérales, et, en filigrane, sur la mécanique systémique qui amène à une polarisation de ces expériences autour des personnes racisées. Dans la forme, c’est un récit choral, alternant l'expérience depuis mon endroit dans une prose autofictionnelle et la voix de mon frère, extraite de ses textes de rap, qu’il a écrits entre sa première incarcération et 2020. A l’ombre, mon frère s’essaie à dire la déflagration que peut être pour une famille l’incarcération d’un des siens, en s’appuyant sur les résonances thématiques et musicales de nos textes.

Le projet est celui d'une performance orale et sonore, mon texte A l'ombre, mon frère sera interprété par Marie Darah, mis en scène par Ophélie Mac.

La performance permettrait de rendre audibles des voix qui ne le sont pas, car structurellement réprimées, par le racisme systémique et la violence de classe, pour celles et ceux qui traversent ces expériences et pour rendre visible les processus d’apaisement, de résistance à travers la création artistique. Celle de mon frère avec le rap, la mienne avec ce texte.

Une performance orale et sonore rendrait également le texte et son propos abordables sans prérequis culturel/ littéraire mais sans perdre en puissance. On s'adresse ainsi à celleux qu’un accès limité aux ressources culturelles, laisse aux portes des lieux de création et de production artistiques.

La mise en scène que nous imaginons, pour l’instant, serait sobre, s’appuyant sur une ambiance sonore évocatrice, jouant sur les jeux d’ombres et de lumière, fidèle au texte, au plus près de l’expérience sensorielle, ne cherchant pas à sauver le public de l’angoisse de ce qui est énoncé.

Alexandra Castard - auteure

Psychiatre de formation, je tente de réparer par le langage, la mise en récit de trajectoires singulières, l’écoute des voix rendues inaudibles. La littérature, par la lecture puis l’écriture, est depuis longtemps un lieu de respiration, de restauration, de retrouvailles avec le plus intime, donc le plus largement partagé. Aussi, la mise en narration de soi infuse tous les espaces que j’investis, les espaces de création comme les espaces de soins. Après une thèse sur les représentations des transidentités dans le champ médical et plusieurs travaux en psychiatrie transculturelle, la question des savoirs situés, de l’importance du décentrage des points de vue hégémoniques, de l’attention prêtée aux voix qui émergent depuis les marges est au centre de mon travail, artistique et thérapeutique.

A l’ombre, mon frère est mon premier texte.

Marie Darah - interprète

Poète fluide et respectant le vivant, Marie Darah écrit en narguant frontières et genres. En travaillant en collaboration étroite avec les secteurs associatifs, social et éducationnel. Afin de repenser le monde en déconstruisant ses systèmes d'oppressions.

Acteurice, auteurice, slameureuse, atelieriste socioculturel·le, champion·ne de Belgique et d’Europe de Slam en 2021. En 2023, nommé·e champion·ne international à Chypre et lauréat·e un African Artistic Award en littérature.

Iel a édité chez Maelström Sous le Noir du Tarmac et Depuis que tu n’as pas tiré, récit entre conte et slam, donné en corps, musique et voix avec Cloé du Trèfle au Rideau de BXL. Son dernier recueil Meutes est sorti aux éditions des Midis Poésie.

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Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

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Frère Jacqueline ira-t-il au Paradis ? est une fiction théâtrale aux accents de liturgie cabaretique.

Faustine Boissery et Joey Elmaleh travaillent à la réécriture de mythes chrétiens qui, maquillés et travestis, donnent à voir une histoire alternative de la grâce. Qu'elle appartienne aux persécutées !

À travers les figures légendaires, fantasmées et actualisées de Frère Jacqueline, proche de François d'Assise, et de la Vierge de Toutes les Douleurs, les deux performeuses jetteront un éclairage caustique, pop et singulier sur des questions de genre, de désir, de foi, de réprobation et de militance.

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« Exhibit a » est une recherche, une quête obsessionnelle. Derrière son ordinateur projeté et soumis à la lecture du public, Sihame Haddioui compile des tranches de vie liées à sa prise de conscience de la corporalité des membres de sa famille. Des souvenirs d'enfance. Sur les corps. Le leur. Le sien. Et si le public est pris à témoin, c'est que la performance porte bien son nom. Exhibit signifie pièce à conviction en anglais. Jusqu'où nous est-il demandé de prouver qu'on existe pour se hisser à hauteur d'humanité ?

À la Bellone, elle explorera et développera les différentes écritures dramaturgiques (le texte, le plateau et le corps) liés à sa performance.

Sihame Haddioui est une artiste, ex-chroniqueuse radio en Belgique (Pure fm, RTBF), autrice bruxelloise et militante politique lesbienne féministe et antiraciste. Ses thèmes de prédilection s’articulent à l’intersection de l’intime et du politique : le corps, la famille, la classe, le et la politique. Artiste de stand-up, Sihame Haddioui a le sens de la formule et porte une attention particulière au processus narratif et donc au confort du public. Depuis 2018, elle est échevine (adjointe au maire) en charge de la Culture et de l’égalité des genres et des chances à Schaerbeek (Bruxelles).

Exhibit a est une adaptation d’un des chapitres de Rendre Corps, son premier essai à paraitre aux édition Les Liens qui Libèrent (Paris). Saison 2024-2025 aux Halles de Schaerbeek.

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« lilo soleil » est un univers façonné par l'alter ego éponyme qui partage son histoire. Au cœur de cette œuvre immersive, Lilo se présente comme le créateur et l’explorateur de cet espace. Constamment en quête de compréhension, il questionne son environnement ainsi que sa propre conception de lui-même. Ce projet propose une plongée dans son monde intérieur, mais aussi un voyage onirique à travers lequel chacun·e peut saisir un fragment de son propre reflet. Une balade à travers cet inconscient devenu réalité, où le·a spectateur·rice n'est pas un·e simple observateur·rice, mais un·e participant·e essentiel. Iel est invité·e à se perdre dans ses idées tout en interagissant avec le récit proposé. Le désir est de permettre à chaque individu de s'approcher de sa propre vérité. « lilo soleil » vise à offrir au spectateur·rice l'occasion de s'engager dans une exploration personnelle, et peut-être même de découvrir des facettes insoupçonnées de lui-même tout au long de ce voyage. C'est une ode à l’authenticité.

leïla alice, artiste transdisciplinaire, incarne son expression la plus authentique à travers son alter ego, Lilo Soleil. Avec une volonté solaire, iel s’efforce de raconter son histoire en naviguant entre le maquillage, la voix, le corps et les mots. Un point commun à toutes ses créations est l’utilisation des couleurs, qui viennent raconter ses différentes personnalités et émotions.

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« L'Brahech » est un hommage à l’âge des premières fois, à l’âge de la découverte de soi et des autres, à l’âge de la quête de l’identité. Six êtres se livrent corps et âme à leur expérience la plus intime. Évoquer les différents états de l’adolescence, ses déchirures, ses leçons, ses questionnements, dans une recherche perpétuelle de notre raison de vivre. Parler d'une période par laquelle tout être humain passe, se livrer aux autres, s'assumer et assumer une part prédominante de soi. « L’Brahech » ou « Gamins » en jargon dialectal marocain, est un hymne à la vie et se veut offrir au public une exploration de la fragilité et de la vulnérabilité de ses danseurs qui l'incarnent.

L'objectif actuel de la compagnie est de finaliser la production du spectacle en le développant (un passage de 35 à 50 min), afin d'obtenir un format final prêt à être diffuser à partir de début 2025. Les 3 semaines de résidence (au Grand Studio et à La Bellone) seront donc l'occasion parfaite d'avoir un dernier œil externe sur la pièce pour en perfectionner la dramaturgie et l'amener à son format final.

We The Lions est un groupe de danse composé de 6 danseurs professionnels, tous basés à Casablanca au Maroc, qui a été formé en 2015 avec une passion commune : le Break. Suite à leur rencontre, une amitié s'est indéniablement construite et s'est renforcée à travers leurs nombreuses participations à différentes compétitions nationales de Break, jusqu'à ce qu'ils aient remporté, en 2017, deux des plus grandes compétitions marocaines de Break Dance, « The Best Moroccan Crew » et « Break Floor Africa Qualification ». Ces deux compétitions ont représenté un véritable tremplin pour le crew, qui les a poussés à se développer tant individuellement que collectivement. Depuis, We The Lions ont enchaîné les voyages au niveau national et international (principalement en Europe), participant et remportant des compétitions et des battles de renommée mondiale.

We The Lions ne se limitent pas à la compétition et à la street, mais ils ont toujours eu une passion pour le Break, ce qui les a poussés à explorer de nouveaux styles de danse et de nouvelles perspectives. Leur curiosité et leur quête de l’inconnu les ont menés à la danse contemporaine en 2018, où ils ont pu débloquer certaines formes d’expression jusque-là inexplorées.

En plus de leurs travaux et performances en groupe, chacun a pu grandir et s'épanouir individuellement, et ce aux côtés de certain·es des meilleur·es chorégraphes urbains et contemporains, leur ouvrant ainsi la porte à la scène internationale.

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Les cinq dramaturges autour de la table font partie des dramaturges associé.x.es de La Bellone, qui ont pour tâche de converser avec des artistes qui réalisent ici des résidences de dramaturgie sur leur projet en cours de création. On entend souvent parler les artistes du travail mené avec les dramaturges mais plus rarement les dramaturges sur leur travail avec les artistes. C’est donc pour ça que nous avons souhaité les réunir aujourd’hui.

L’occasion de revenir sur ce format particulier de résidence, dans ce qui le distingue des résidence d’écriture, de recherche ou de création : chaque résidence de dramaturgie est « encadrée » par deux jours de conversation avec un.e dramaturge qui n’est pas cellui du projet. A quelle pratique de la dramaturgie cela donne-t-il lieu ? Quelles sont les demandes des artistes et les réponses possibles à leur apporter ? Que se passe-t-il, pour les dramaturges, dans ces incursions momentanées dans un travail qui n’est pas forcément familier ?

Avec : Léa Tarral, Hanna El Fakir, Marie Umuhoza, Lily Brieuc Nguyen et Adeline Rosenstein, interrogé·es par Mylène Lauzon

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HIGH GEAR est un solo qui explore une collection corporelle de figures tirées de mangas alternatifs et qui excave une imagerie évoquant des rapports au pouvoir, à la norme et à la domination. Sans jamais les reproduire, une créature incarne confusément des images issues d'univers teintés de patriarcat et d'impérialisme, elle tente d'en détourner les codes et de s'affranchir de leur toxicité.

Dans HIGH GEAR j'explore les caractéristiques structurelles du manga à travers une écriture chorégraphique : un excès d'informations contenu dans un cadre formel infranchissable, incarnée par une structure métallique composée de pièces agglutinées. Des images indéterminées naissent de l'entrelacement et de la superposition. Dans les interstices de cet agglomérat, des figures fragmentées, inquiétantes et maladroites, tentent de se faufiler en esquivant les collisions.

Je suis né en Corée du Sud, après avoir étudié la conception graphique et le mime, j'ai poursuivi ma formation au CNDC d'Angers puis au master exerce à ICI- CCN de Montpellier direction Christian Rizzo. Mes créations composent une cosmogonie intime sous la forme d'un "Dictionnaire des créatures fantastiques". J'en ai dévoilé le premier chapitre, un solo étrangement monstrueux nommé "FUNKENSTEIN" (2021) ainsi que le second volet "CUTTING MUSHROOMS" (2023) qui explore une micro transformation inachevée. En parallèle, j'élabore une série de performances ponctuelles et éphémères autour d'une obsession pour les mangas.

Mon travail s'imprègne de la "Monstrarchéologie", c'est-à-dire une méthode qui consiste à excaver une forme organique ambigüe errant entre le figuratif et l'abstrait à partir d'expériences intimes, sociales et politiques.

En se basant sur cette méthode, j'explore la monstruosité qui surgit en déconstruisant les idées dominantes de l'inconscient collectif par la distorsion de la normativité du corps humain, de la voix et des objets quotidiens. J'essaye d'extraire l'étrangeté qui se cache dans le prosaïque.

Durant cette exploration ininterrompue, l'apparition précaire de raccords et de ruptures diffuse constamment des matériaux chorégraphiques indéterminables. Ce faisant, l'inaccomplissement d'une transformation infinie fait affleurer une physicalité impalpable. Je pratique cette excavation en questionnant les hiérarchies entre différents médiums (mouvements, vêtements, son, sculpture, écriture...) et en examinant les frictions entre eux. Cette méthodologie embrouillée dépeint un poème épique performatif composé de mythes personnels.

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